Kategorie-Archiv: Grafik

„Markus Lüpertz – Ein persönlicher Blick“

„Markus Lüpertz – Ein persönlicher Blick“
Museum Burg Vischering, Lüdinghausen
18. Februar – 12. August 2018

Burg Vischering im Münsterland - einzweiter Blick lohnt immer...
Burg Vischering im Münsterland – ein zweiter Blick lohnt immer…

Zugegebenermaßen war ich bislang kein großer Fan vom „Malerfürsten“ und selbsternannten „Genie“ Markus Lüpertz  – weder von seiner neoexpressionistischen Kunst, noch von seinen exzentrischen Auftritten. Und das von Anfang an…
Zur Erklärung dieses Statements eine kurze Anekdote aus dem leben einer jungen Kunstinteressierten: Lüpertz begegnete mir unbekannter Weise Mitte der 90er mit seinem „Gefolge“ – heute vermute ich mit einer Gruppe (ausstellender) Studenten – bei meinem ersten „Rundgang“ durch die Düsseldorfer Kunstakademie. Bedingt durch sein „wichtiges“ Auftreten und seine extravagante Kleidung – schwarzer Anzug, Gamaschen, Stock mit Silberknauf und auffällig großem Siegelring – bekam er von mir spontan den Stempel „eingebildeter, selbstverliebter Gockel“ aufgedrückt. Erst einige Jahre später begriff ich, 1) daß mir hier der damalige Leiter der Düsseldorfer Kunstakademie, einer der bekanntesten deutschen Maler, Grafiker und Bildhauer der Gegenwart höchst persönlich über den Weg gelaufen/gerauscht war und 2) daß ich über eine nicht allzu schlechte Menschenkenntnis verfüge… :-) .
Nichtsdestotrotz nahm ich am letzten Aprilwochenende 2018 die Gelegenheit wahr, im Zuge eines Ausflugs zu diversen Burgen im Münsterland einen persönlichen Blick in die aktuelle Lüpertz-Sonderausstellung des Museums Burg Vischering zu riskieren. In ihrem Fokus stehen vor allem mittelformatige Papierarbeiten des Künstlers: Zeichnungen, (colorierte) Druckgrafiken (Holz- und Siebdrucke) und Gouachen. Gezeigt werden in Lüdinghausen aber auch einige kleinere Skulpturen – ihre direkte Verwandtschaft zu den monumentalen öffentlichen Lüpertz-Arbeiten wie z.B. „Mozart“, Dionysos“ oder „Herkules“ ist unverkennbar.
Ich bin erstaunt, wie weitläufig und umfangreich die Ausstellung ist – diese „Größe“ hätte ich im eher „provinziellen“ Lüdinghausen nicht erwartet! Zudem stelle ich erfreut fest, daß mich die Exponate nicht völlig unberührt lassen; ich gebe gerne zu, daß mich einige der Arbeiten sogar positiv ansprechen! Was lernen wir daraus? Es schadet nie – allen Vorurteilen zum Trotz – einen zweiten (oder auch dritten) Blick auf eine Person/eine Sache/einen Sachverhalt zu werfen. -AEK

P.S.: Für alle Lüpertz-Jünger: Solltet Ihr auf Basis dieses Beitrags einen Ausflug ins Münsterland planen, so erkundigt Euch doch bitte im Vorfeld nochmals genau beim Veranstalter, wie lange die Ausstellung geht! Laut Internetseite wäre sie am 29.04.18 beendet, laut Ausstellungsflyer läuft sie noch bis zum 12.08.18…

„OSTER+KOEZLE“

Werfen ihre Schatten voraus: Willy Oster und SG Koezle mitten drin in Arbeiten aus ihrer Serie "architectures" in der Künstlerzeiche Unser Fritz 2/2 in Herne Wanne.
Werfen ihre Schatten voraus: Willy Oster und SG Koezle mitten drin in Arbeiten aus ihrer Serie „architectures“ in der Künstlerzeche Unser Fritz 2/3 in Herne Wanne.

OSTER+KOEZLE – Fotografisch basierte digitale Kunst zum Thema Raum
Künstlerzeche Unser Fritz 2/3, Herne (Wanne)
28. April – 20. Mai 2018

Schon seit vielen Jahren, seit 1999 nämlich, arbeiten Willy Oster und SG Koezle gemeinsam als OSTER+KOEZLE und verbinden Fotografie, Malerei (ganz ohne Malerei!) und digitale Möglichkeiten zu einem faszinierenden Kosmos rund um das Thema Raum. Wir haben die Bilder des Künstlerduos vor einigen Jahren für uns auf der „GROSSEN“ in Düsseldorf entdeckt (siehe auch Blogposts aus März 2016 und Februar 2018) und uns von Anfang an in die geometrisch anmutenden Kompositionen, die immer mit einer Irritation des Betrachters einhergehen, verguckt. Um so schöner, dass nun in der Künstlerzeche Unser Fritz 2/3 eine OSTER+KOEZLE Ausstellung zu sehen ist, die schon fast als Retrospektive durchgehen könnte. Aber eben nur fast – denn dafür reichen die 4 Wände der mit 140 Quadratmetern nicht eben kleinen ehemaligen Weißkaue der Zeche dann doch nicht ganz aus. Und trotzdem bekommt der Besucher einen tollen Einblick in fast 20 Jahre gemeinsames Schaffen und in einen kontinuierlichen Entwicklungsprozess, was nicht zuletzt an der schlauen Hängung liegt. Jede der vier Wände widmet sich nämlich einer Werkgruppe, startend mit den „rooms“, in denen noch deutlich der eigentliche Ort – eine leere Halle, ein Hausflur… – zu sehen ist, aber durch digital eingeschobene (Farb-) Flächen ein ganz neuer Raum, eine neue Komposition entsteht. Da drängen sich rote, weiße oder schwarze Rechtecke mit einer Selbstverständlichkeit ins Bild, die den Betrachter zunächst irritiert, dann staunen und schließlich nicken lässt: ja, sicher gehört diese Fläche ganz genau so ins Bild. An der nächsten Wand folgen dann die „perspectives“. Das Prinzip bleibt, digitale Farbflächen brechen sich Bahn, strukturieren, erschaffen neu. Die den Arbeiten zugrunde liegenden Fotografien aber beschränken sich auf Details, lassen schon von sich aus keine klare Raumzuordnung zu, sind klar komponierte Konstruktionen. In den „architectures“, Werkreihe (und Wand) Nummer drei, drehen OSTER+KOEZLE den Spieß quasi um: Hier stehen Farbflächen im Vordergrund, aus deren Oberfläche wie mit einem digitalen Skalpell sauber Teile herausgeschnitten wurden und dort Ausschnitte von (Raum-) Fotografien sichtbar werden lassen, was erneut zu einer ganz anderen Wahrnehmung von Raum führt. Die vierte Serie schließlich heißt schlicht schwarz/weiss, und so kommt sie dann auch daher. Aber vorsicht: Was zunächst erscheint wie sehr kontrastreiche Schwarzweiß-Fotografien von (Raum?) Details, entpuppt sich dann doch wieder als Spiel mit der Wahrnehmung und als bewußte digitale Intervention. Waren diese Flächen wirklich so tiefschwarz? Was stimmt hier nicht? Obwohl doch wirklich alles stimmt…

OSTER+KOEZLE selber haben bei der Ausstellungseröffnung übrigens sichtlich Spaß. So erzählt uns Willy Oster, dessen Wurzeln in der Malerei liegen, zum Beispiel noch, dass es ihn immer besonders gefreut hat, bei der Teilnahme an der „GROSSEN“ Kunstausstellung in Düsseldorf nie bei den Fotografen, sondern stets bei den konkreten Künstlern zu hängen (was ja durchaus passt). Und SG Koezle lächelt verschmitz, wenn er erzählt, dass selbst einem Galeristen nach mehrwöchiger Ausstellung schon mal ein wesentliches Bild-Detail verborgen bleibt: „Aktenordner? Wo soll auf dem Bild denn da ein Aktenordner zu sehen sein?“, wird der Galerist zitiert. Aber wahrscheinlich sollte man sich auch nie ganz sicher sein – vielleicht ist da auch wirklich kein Ordner. Sondern das Spiel mit der Irritation und die Aufforderung zum erneuten Hinschauen.

Mein Fazit: Wunderbar ausgeklügelte  Kompositionen, klare Bezüge zur konkreten Kunst und zur Farbfeldmalerei, die Faszination für die Schönheit, die abstrahierten Architekturen und deren Details innewohnt und vor allem: das lustvolle Spiel mit der Irritation, die all den Bildern eine immense Spannung geben und dazu führen, lange zu schauen und den eigenen Blick zu hinterfragen. Auf zur Zeche Unser Fritz! -MM

„Black and White. Von Dürer bis Eliasson“

Black and White. Von Dürer bis Eliasson
Museum Kunstpalast, Düsseldorf
22.03. – 15.07.2018

Graue welt - und einfach atenberaubend: Ausschnitt der begehbaren Installation „The Collector’s House“ des belgischen Künstlers Hans op de Beeck im Museum Kunstpalast.
Graue Welt – und einfach atenberaubend: Ausschnitt der begehbaren Installation „The Collector’s House“ des belgischen Künstlers Hans op de Beeck im Museum Kunstpalast.

Alles nur schwarz-weiß? Alles öde? Von wegen! Mit Tristesse hat die schwarz-weiße oder graue Welt , die in ca. 80 Werken im Museum Kunstpalast präsentiert wird, mal überhaupt nichts zu tun. Ganz im Gegenteil, hier wurde ein plausibles Oberthema gefunden,  mit dem sich Stile und Epochen über Jahrhundete verbinden lassen. Das Schöne an solcherlei Ausstellungen ist ja gerade, dass ich mir auch Werke anschaue, die nicht unbedingt in mein typisches „Beuteschema“ fallen. So zum Beispiel unglaublich filigrane Bilder auf Glas,  die durch ein besonderes Verfahren Szenen in erstaunlichen Sepiatönen und goldenen Glanzlichtern zeigt. Oder geradezu  atemberaubend plastische Malerei, bei der die dargestellten Relieffs und Figuren so unglaublich dreidimesional wirken, dass ich mich tatsächlich zunächst vergewissern muss, ob es sich nicht doch um Skulpturen handelt. Und alles ganz ohne 3D-Brille… Zudem spart die Ausstellung (die übrigens in Zusammenarbeit mit der Londoner National Gallery entstand) wahrlich nicht mit großen Namen. Degas, Tizian, Rubens, Rembrandt, Picasso, Pollock, Richter, Piene, Uecker und so weiter. Zu sehen gibt es also wirklich genug. Favoriten? Das ist schwierig, weil ich irgendwie am liebsten jedes zweite Werk direkt einpacken würde. Also eine minimale Auswahl: Zunächst mal ist da die wunderbare „Annette sitzend“ von Alberto Giacometti. Schon oft gesehen, aber immer wieder zu bestaunen und definitiv ein „all-time-favourite“ meiner Frau, nicht nur wegen des Namens. Es ist schon faszinierend, wie es Giacometti in seinen Bildern und Skulpturen gelingt, so etwas wie eine prototypische Seele des Menschen zu pinseln und zu meißeln. Die ist ja vielleicht auch manchmal ein wenig grau. Und dann ist da definitiv „The Collector’s House“ von Hans op de Beeck. Fast am Ende der Ausstellung angelangt, betritt der Besucher durch eine unscheinbare Flügeltür einen Raum, der einem die Sprache verschlägt. Das „Haus des Sammlers“ ist ein Gesamtkunstwerk, ein Interieur aus purem Grau, ein Zimmer mit Regalen,  Wandbildern, Sitzmöbeln, Tischen, (Skulpturen von) Menschen… und alles alles alles im gleichen Grauton. Wenn dann noch weitere Besucher eintreten und in ihrer (zufälligen, also teils farbigen) Alltagskleidung kontrastierender Teil des Kunstwerkes werden – ein echtes Erlebnis! Danach dann, als tatsächlicher Schlusspunkt des Ausstellung, folgt Olafur Eliassons „Room for one Colour“. Das ist ein Raum, der in eine Art gleißendes, transluzentes Orange getaucht ist. Was das mit schwarz-weiß zu tun hat? Auch hier werden die Besucher Teil des Werkes und wirken, so man sie betrachtet – genau: schwarz-weiß. Eine schöne Volte zum Schluss!

Was ich mich an einigen Stellen gefragt habe ist dann allerdings, inwiefern der Fokus auf schwarz-weiß bei vielen der gezeigten Werke tatsächlich seine Berechtigung hat. Die Ausstellung hat es sich ja zur Aufgabe gemacht zu hinterfragen, was verschiedenste Künstler über Jahrhunderte hinweg immer wieder an der schwarz-weiß-graue Welt fasziniert hat, warum sich sich auf die extrem eingeschränkte Farbpalette eingelassen haben. Und irgendwie scheint die Antwort in den meisten Fällen einfach zu sein: warum nicht? Es gibt eben auch schwarz, weiß und grau. Und das wurde auch eingesetzt – neben vielen anderen Farben. Die schwarz-weiß-grauen Werke zu separieren, ist da eher ein Kunstgriff der Kuratoren.

Ein Beispiel: Sicher gehört das wunderbare Quadrat von Josef Albers in diese Ausstellung, doch hat er seine Quadrate in unzähligen Farbkombinationen erstellt. Die Verprobung der Farbwirkung von Schwarz- und Grautönen in der gezeigten „Study for Hommage to the Square“ ist da schlicht eine logische Konsequenz in der Arbeit Albers‘. Und ganz ähnliches könnte man über die gezeigten Werke von Ellsworth Kelly, Otto Piene, K.O. Goetz und so weiter und so fort sagen.  Sie alle haben auch Werke in schwarz-weiß erstellt; für fast alle Künstler ist die Beschäftigung mit schwarz-weiß-grauen Arbeiten offenbar spannender Bestandteil ihrer Arbeit. Aber eben nur ein Teil. Aber so ist das wohl stets, wenn eine thematische Klammer gesucht wird. Und so wäre es dann ebenso legitim, die nächste Austellung zum Thema „blau“ zu kuratieren. Und warum auch nicht? Mit welch hoher Qualität das funktionieren kann, zeigt die aktuelle Schau im Kunstpalast ja deutlich. -MM

„Taten des Lichts – Mack & Goethe“

Taten des Lichts – Mack & Goethe
Goethe-Museum, Düsseldorf
04. März bis 27. Mai 2018

Eine bunte Sache mit bunter Säule: Mack und Goethe geben sich ein Stelldichein im Goethe-Museum Düsseldorf.
Eine bunte Sache mit bunter Säule: Mack und Goethe geben sich ein Stelldichein im Goethe-Museum Düsseldorf.

„Taten des Lichts – Mack und Goethe“: das ist der Titel der aktuelle Ausstellung im Düsseldorfer „Schloß Jägerhof“ – vielen auch bekannt unter dem einprägsamen Namen „Goethe-Museum“. Beherbergt das stattliche Rokoko-Gebäude aus der Mitte des 18. Jahrhunderts doch schon seit mehr als 70 Jahren die immense Goethe-Sammlung Anton Kippenbergs, seines Zeichen Leiter und Inhaber des Insel-Verlages zu Leipzig, als da sind: ca. 5000 Handschriften, Gemälde, graphische Blätter, Büsten, Medaillen und Münzen nebst einer immensen Bibliothek bestehend aus rund 17000 Büchern und 3000 Musikalien (= Notenblätter) aus der Goethe-Zeit. Und natürlich ein Sammelsurium an optischen Geräten, die Goethe zur Untersuchung seines Steckenpferdes benutzt, der Farbenlehre.
Womit wir wieder beim eigentlichen Thema dieses Beitrages sind: den „Taten des Lichts“.
Denn: der große Dichterfürst beschäftigte sich mehr als die Hälfte seines Lebens mit einer Vielfalt an Farberscheinungen und veröffentlichte ab dem Ende des 18. Jahrhunderts zahlreiche Artikel zur Disziplin „Optik“, Anfang des 19. Jahrhunderts sogar eine umfangreiche Schrift von mehr als 1600 Seiten mit dem Titel „Zur Farbenlehre“ . Goethe unterschied bei seinen wissenschaftlichen Beobachtungen generell zwischen „physiologischen“, „physischen“ und „chemischen“ Farben. Sein Interesse galt beispielsweise sowohl bestimmten Aspekten des menschlichen Sehens wie farbigen Nachbildern, dem Hell-Dunkel-Kontrast, dem Simultan-Kontrast als auch der Ursache für Fehlsichtigkeiten wie z.B. die der Farbenblindheit. Er untersuchte unter dem Aspekt „Farbe“ die Naturerscheinungen Morgenröte, Abendröte, das Himmelsblau, das Mondlicht, interessierte sich aber auch für die Farbigkeit von Seifenblasen und Schatten. Goethe  beschrieb die farbige Erscheinung einiger chemischer Verbindungen und referierte auch über das Prinzip des Färbens und des Bleichens; zudem beschäftigte er sich mit der Farbigkeit von Flora und Fauna, kommentierte aber auch das reale Mischen von Künstlerfarben.
Alles in allem Themen, die auch heute noch viele moderne Künstler interessieren und faszinieren dürften!
So auch einen der bedeutendsten deutschen Bildhauer und Maler, den Mitbegründer der renommierten Künstlergruppe ZERO, Heinz Mack. Auch er befaßte sich Zeit seines Lebens mit dem Phänomen Licht und Farbe – sei es im Zusammenhang mit seinen wundervollen Lichtreliefs, seinen gigantischen Licht-Installationen in der Wüste oder aber in seinen chromatischen Bildern und Grafiken. So heißt es auf Macks Internetseite, der Künstler begreife „Farbe als Licht und Licht als Farbe“ (s.a. Beitrag „Licht Schatten“ an anderer Stelle in diesem Blog).
„Taten des Lichts – Mack und Goethe“ im Goethe-Museum bietet nun bis Mitte Mai diesen Jahres die Gelegenheit, die auf 8 Räume des Hauses verteilten Arbeiten der beiden außergewöhnlichen „Lichtkünstler“ auf einen Schlag zu sehen und miteinander in Bezug zu bringen. Im Ausstellungsflyer wirbt man z.B. mit einer einer „vielschichtige(n) Begegnung zwischen Klassik und Moderne“.
Auf mich persönlich – einem Fan von klaren Formen und Strukturen – wirkt die Präsentation der Werke leider ein wenig „strubbelig“, erinnert sie mich doch spontan an eine „Petersburger Hängung“, bei der in meinen Augen besonders die meist überaus farbigen Werke Macks in der holzdominierten Wohnzimmeratmosphäre des Schlosses Jägerhof deutlich an Brillanz verlieren. Aber das ist ja eine reine Geschmacksache und hat nur mittelbar mit der Qualität der gezeigten Exponate zu tun. -AEK

„Carmen Herrera: Lines of Sight“

Carmen Herrera: Lines of Sight
K20 – Kunstsammlung NRW, Düsseldorf
02. Dezember 2017 – 08. April 2018

Zeigt klare Kante: Carmen Herrera im Düsseldorfer K20
Zeigt klare Kante: Carmen Herrera im Düsseldorfer K20

Was gibt es doch für Geschichten! Da studiert eine junge Frau Architektur in Havanna, dann Malerei in News York, ist mit Barnett Newman befreundet, zieht nach Paris, kennt Sonia Delaunay, malt und konstruiert und malt… und wird über Jahrzehne hinweg von der Kunstwelt schlichtweg ignoriert. Aber sie macht weiter, malt und malt und malt. 1915 wurde Carmen Herrera in Havanna geboren. Und sie musste tatsächlich zunächst stolze 89 (neunundachtzig!) Jahre alt werden, bevor sie ihr erstes Bild verkaufte. Heute ist sie bereits 102, arbeitet noch immer in News York und gilt als eine der Pionierinnen der geometrischen Abstraktion in Amerika.

Die Ausstellung im Düsseldorfer K20 zeigt über 70 Arbeiten Herreras. Malerei, Grafik, Skulptur, die ältesten Werke von 1947, die jüngsten erst 2017 fertiggestellt. Und die Bilder und Skulpuren sind wirklich toll. Oft klar komponierte Farbflächen, meist nur aus zwei Farben bestehend, die mir ihre Signalstärke und Flächigkeit förmlich um die Ohren hauen. Welch eine Energie! Skulpturen, sogenannte „estructuras“, die wie dreidimensional gewordene Bilder aus der Wand wachsen. Und andere, freistehende Skulpturen, die erst heute durch ihre vollkommen plane Lackierung ihre volle Wirkung entfalten (war es Herrera doch offenbar ein Anliegen, den individuellen Pinselstrich aus ihren Arbeiten zu verbannen). Herrera zeigt mit ihrer scharfen Linienführung „klare Kante“, ist sich trotz des fast ein ganzes Leben andauernden „übersehen werdens“ treu geblieben – über so viele Jahre und Jahrzehnte. Wie schön ist es da, dass diese Künstlerin ihren späten Ruhm, ihre Anerkennung noch erleben darf. Und wier schön ist es, dass sie noch immer Werke von großer Kraft schafft. In der Ausstellung ist ein Video zu sehen, das Carmen Herrera bei der Arbeit zeigt. Das spricht Bände. Anschauen! -MM

“DIE GROSSE 2018”

“DIE GROSSE 2018”
Museum Kunstpalast, Düsseldorf
28. Januar 2018 – 18. Februar 2018

Ganz schön gross - auch von oben... Ausstellungsansicht von Etage 2 nach unten in Düsseldorfs Künstlerschau "Die Grosse 2018"
Ganz schön gross – auch von oben… Ausstellungsansicht von Etage 2 nach unten in Düsseldorfs Künstlerschau „Die Grosse 2018″

Gebt zu, Ihr habt schon auf unseren Beitrag zur diesjährigen Ausgabe der beliebten Düsseldorfer Kunstausstellung „DIE GROSSE“ gewartet!
Wie schon in den Jahren zuvor lohnt sich der Besuch auch heuer (s.a. vorherige Reviews 2015, 2016 und 2017). Denn: Viele der ausgestellten Arbeiten – präsentiert werden rund 160 Künstlerinnen und Künstler – sind wirklich großartig!
Besonders gefallen haben mir z.B. die Fotomontagen von Ralf Werner Fast – man muß schon genau hinschauen, um die dort dargestellten verfremdeten Bauwerke zu begreifen. Es gibt aber auch diverse auf den ersten Blick scheinbar „unverfälschte Fotos“, die wirklich toll sind: So z.B. die Arbeiten von Anja Bohnhof („Tracking Ghandi Salzmarsch“). Ebenso die von Ralf Janowski („Acker – Kevelaer“, „Jagdhochstand – Stenden“ und „Wettener Busch – Kevelaer“). Und natürlich das großformatige „Opernhaus Köln“ von Boris Becker. In meinen Augen „Farbe pur“ gibt es bei Lydia Mammes Acrylbildern „Volume IV“ und „Volume I“. Aber auch bei Raymund Kaisers Großformaten „BLDH7 (250114) und BRH1 (240214) – in beiden Fällen eine nahezu monochrome Kombination aus Öl und Lack auf HDF Schichtplatten. Bei den fast immer quadratischen Formaten der diesjährigen Kunstpreisträgerein Sybille Pattscheck handelt es sich um klassische Enkaustik-Arbeiten auf Acrylglas. Auch hier stehen „Material“ und „Farbgebung“ im Vordergrund und nicht das „realistische Abbild“.
Als „schlicht und ergreifend“ würde ich die Arbeit(en) von Nina Brauhauser bezeichnen: an der Wand Fotografien von je einer geschwungenen feinen Linie, am Boden davor die dazu passende Aluminium-Skulptur „along the line“. Um Linien geht es auch bei den in meinen Augen wunderschönen Papierarbeiten von Frank Weidenbach – hier sind sie jedoch äußerst akkurat zu filigranen Karos verarbeitet worden.
Es gibt aber auch erfrischende Kunstwerke, an denn ich hängen bleibe, ohne gleich den Wunsch „haben!“ zu verspüren. So z.B. die große organische Skulptur aus rosa-weißen Wattestäbchen von Ulrike Walthemathe – was für eine Idee! Gleiches gilt für Beate Höigs überdimensionierte Kette aus zahlreichen Vasenförmigen Gebilden.
Natürlich kann man auch in diesem Jahr alle ausgestellten Arbeiten kaufen. Infos zu Preisen und Detailinformationen zu den Künstlern erhält man bei den größeren Werken über einen ausführlichen Katalog (€ 20). Bei den unter der Rubrik „Das kleine Format“ ausgestellten Bildern steht der Kaufpreis direkt unter dem Bild. Das absolute Highlight hier: Zwei Fotomontagen des Künstlerduos Oster + Koezle, die mit ihren Werken übrigens schon seit 1999 auf der GROSSEN vertreten sind (und inzwischen schon dank der GROSSEN mit zwei Arbeiten in unserer Wohnung hängen :-) -AEK

Concha Jerez. Interferencias.

Concha Jerez. Interferencias.
CAAM – Centro Atlántico de Arte Moderno
, Las Palmas de Gran Canaria, Spanien
5. Oktober 2017- 7. Januar 2018

Innenansicht des CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno in Las Palmas de Gran Canaria
Käfig? CAAM! Das Centro Atlántico de Arte Moderno in Las Palmas de Gran Canaria überrascht nicht nur mit Gegenwartskunst, sondern auch mit modernster Innenarchitektur mitten in der Altstadt.

Hinter dicken und alten Mauern residiert das „Atlantische Zentrum für Moderne Kunst“ in Las Palmas. Da erwartet man die museal-moderne Innenarchitektur mit ihren weißen Wänden zunächst gar nicht, erlebt aber eine spannende Überraschung. Selbst ohne Ausstellung wäre der Bau in Las Palmas Altstadt wirklich einen Besuch wert gewesen – am besten mit Architekturführung (die aber leider nicht angeboten wird. Einige Hintergrundinfos finden sich aber auf der Museumswebsite).

Spielt aber jetzt keine Rolle, denn es gibt ja eine aktuelle Ausstellung: Der in Las Palmas geborenen Konzeptkünstlerin Concha Jerez wird gleich eine ganze Retrospektive ausgerichtet. Kein Wunder, gilt sie doch als wirklich außergewöhnliche Künstlerin in Spanien, als Pionierin der Konzeptkunst, der sie sich seit über 40 Jahren widmet. Dabei setzt Jerez auf unterschiedlichste Medien, nutzt Geräusche, Fotos, Druck, Objekte, Videos, aber auch Internet und Radio. Und dabei drehen sich ihre Arbeiten um Konzepte wie Erinnerung, Zweideutigkeit, Zeit – oder eben die Einmischung, die Interferenz. Und bei all dem schwingen stets deutlich kritische Untertöne mit, Jerez ist eine politische Künstlerin, die Gesellschaft kommentiert. Keine ganz leichte Kost, die da quasi unter Palmen serviert wird. Aber eine zum Nachdenken. –MM

„Leeds Art Gallery“

Leeds Art Gallery„, Leeds
…seit dem 13. Oktober 2017

Kunstzentrum im Westen Yorkshires: Die Leeds Art Gallery
Kunstzentrum im Westen Yorkshires: Die Leeds Art Gallery

Nach langer Schließung und intensiver Restaurierung des viktorianischen Glasdaches heißt es in West-Yorkshires Metropole Leeds nun „We’re Back!“. Die Leeds Art Gallery ist wieder geöffnet, und ganz ohne Eintritt zahlen zu müssen darf man sich Kunst, Architektur und neuem Dach hingeben. Letzteres ist überigens wirklich toll geworden – die große Glasdecke im Viktorianischen Central Court beeindruckt. Und auch sonst macht der Besuch große Freude. In einem Teil des Erdgeschosses findet sich die Ausstelleung „Artist Rooms – Joseph Beuys„, die eine kompakte Einführung in Beuys‘ Leben und Werk gibt und Skulpturen, Zeichnungen und Multiples von den 50er bis in die 80er Jahre bietet. Die Ausstellung „Shelter from the Storm“ liefert einen umfassenden Überblick zum Schaffen des Künstlers John Sell Cotman, der als einer der wichtigsten Aquarellisten des 19. Jahrhunderts gilt (beide zu sehen vom 13. Oktober bis zum 21. Januar 2018). Ansonsten ist unter anderem eine wunderbare Auswahl von Werken aus der hauseigenen Sammlung zu finden. Und – ein echter Hingucker – im großzügigen Treppenaufgang eine große neue Wandmalerei des deutschen Künstlers Lothar Götz, die mit ihren bunten geometrischen Formen als Gegensatz zur Viktorianischen Gebäudearchitektur in ihren Bann zieht.  Kurz und gut: Wer in Leeds ist, sollte auf jeden Fall in die Art Gallery hereinschauen! -MM

„Ulrich Rückriem: Multiples 1969 bis heute“

Ulrich Rückriem: Multiples 1969 bis heute. Sammlung Jacobs
Kunsthalle Bielefeld, Bielefeld
02.September – 22. Oktober 2017

Schöner Brocken (aber kein Multiple): Rückriems "Dolomit, gespalten" (1977) im Skulpturenpark der Kunsthalle Bielefeld
Schöner Brocken (aber kein Multiple): Rückriems „Dolomit, gespalten“ (1977) im Skulpturenpark der Kunsthalle Bielefeld

Wirklich alle Multiples des vor allem als Bildhauer bekannten Künstlers Ulrich Rückriem zeigt die Kunsthalle Bielefeld. Möglich wurde das durch eine einzigartige Schenkung: die „Sammlung Jacobs“ ist tatsächlich die einzige bekannte vollständige Sammlung der Rückriem Multiples und wurde der Kunsthalle überlassen. Neben spannenden Rückriem-typischen Skulpturen aus feinsäuberlich geometrisch gesprengten Steinquadern finden sich auch Mappen mit Druckgrafiken. Und natürlich sind auch die zwei schon lange dem Museum gehörenden – und nicht „multiplen“ 😉 –  Werke „Dolomit, gespalten“ und „Dolomit, geschnitten, gespalten“ zu sehen. Wer die besondere Skulpturenwelt Rückriems mag und sich zudem der Arbeitsweise des Künstlers in einem langen zeitlichen Bogen nähern möchte, sollte Bielefeld unbedingt einen Besuch abstatten. Es lohnt sich! Kleiner Zusatzhinweis: Auch einen Besuch wert sind in jedem Falle die „Skulpturenhallen Ulrich Rückriem“ im Kulturzentrum Sintsteden im beschaulichen Rommerskirchen! -MM

„bauhaus in bewegung“

„bauhaus in bewegung“
bauhaus archiv – museum für gestaltung
berlin
01.märz – 13. november

besonderes berliner bau - das bauhaus archiv wird bald wieder aufgehübscht und erweitert
besonderer berliner bau – das bauhaus archiv wird bald wieder aufgehübscht und erweitert

von den weit mehr als 175 museen in berlin ist das bauhaus-archiv sicherlich nicht das größte und bekannteste – für mich persönlich jedoch eines der schönsten und interessantesten! beherbergt es doch viele der wunderbaren arbeiten, die zwischen 1919 und 1933 in der von walter gropius gegründeten kunstschule von zahlreichen, noch heute namentlich bekannten lehrern (e.g. lyonel feininger, wassily kandinsky, paul klee, johannes itten, josef albers, oskar schlemmer und lászló moholy-nagy) und schülern (e.g. max bill, wilhelm wagenfeld, marcel breuer, anni albers, marianne brandt, gunta stölzl, andreas feininger, lux feininger und fritz winter) geschaffen wurden!
beim betreten der aktuellen themenausstellung „bauhaus in bewegung“ wird einem sofort klar: die idee „bauhaus“ hat auch heute, rund 100 jahre später, nichts an reiz verloren! denn: im gegensatz zur nicht nur damals üblichen klassischen akademieausbildung setzte man am bauhaus auf eine ausgewogene kombination aus bildender, angewandter und darstellender kunst. so gab es in der „kathedrale der kunst“ keine „klassen“, sondern „werkstätten“, in denen nicht selten parallel gemalt, skizziert, fotografiert, gebaut, getischlert, geschmiedet, getöpfert, gewebt, gesungen, geschauspielert, geschrieben und gedichtet wurde. die meisten der exponate – ein äußerst kreatives sammelsurium aus gemälden, skulpturen, fotografien, skizzen, modellen, möbeln, wandteppichen, lampen, keramiken, schmuck und gegenständen des täglichen gebrauchs – wirken daher auch im 21. jahrhundert eher äußerst modern, denn verstaubt antiquarisch. und sind somit echte „designklassiker“.
einige von ihnen und zahlreiche andere schöne dinge kann man übrigens direkt im anschluss an den ausstellungsbesuch im benachbarten museumsshop käuflich erwerben. keine angst – hier gibt es design für jeden geldbeutel.
aber aufgepasst: im herbst 2017 ist erst einmal schluss mit den inspirierenden ausflügen nach berlin-tiergarten! passend zum 100-jährigen jubiläum wird das 1979 nach einem gropius-entwurf gebaute und in betrieb genommene haus erst einmal saniert und um einen neubau des berliner architekturbüros staab architekten erweitert. die wiedereröffnung ist für 2021 geplant – hoffen wir mal, daß es dem bauhaus archiv berlin in diesem punkt besser ergeht als dem berliner flughafen… -AEK